Marsilya’da Bir Sanat ‘Fabrika’sı

Sayın Josée ve Marc Gensollen, koleksiyonerlik serüveninizle ilgili sohbetimize başlamadan önce, bize kendinizden söz edebilir misiniz?

1969 senesinde eğitim yıllarımızın başında tanıştık.  Ikimiz de psikiyatristiz ve iki çocuğumuz var; büyük olan da bizim gibi psikiyatrist, küçük olan ise New-York’ta sinema prodüktörü.  

Bize koleksiyon tutkunuzdan bahseder misiniz? Koleksiyon yapmaya nasıl başladınız ve bulunduğunuz noktayı nasıl tanımlıyorsunuz? 

Koleksiyon tutkumuz 1970 senesinde başladı ve zenginleşerek  günümüze kadar devam etti.  Yeni bir lisan eğitimi alan küçük çocuklar gibi başladık,  yavaş yavas kelimeler anlam kazandı ve cümleler kurduk. Sözdizimimize uygun olarak tasarlanan cümleler sanat, toplum, iletişim, veri aktarımı, tarih, humanizm fikirleri üzerinde yoğunlaşan anlatımları meydana getirdi.  Günümüzde içinde bulunduğumuz ve daha ziyade zenginlik ile haşır neşir olan bu maddiyatçı toplumu göz önünde bulundurarak, ilk başta alışılagelmiş klasik malzemeler ve daha sonra video gibi hareketli sanata başvurduktan sonra, yaklaşık 10 senedir daha ziyade performans sanatı ve ‘in situ’ sanata yöneldik.  Adeta zamanın atmosferine kafa tutmak istercesine, maddi değere dayandırılmayan sanatsal projeler ile ilgileniyoruz.

Birlikte satın aldığınız ilk sanat eseri hangisiydi? 

Birlikte satın aldığımız ilk eser, Hans Bellmer’in sürrealist bir gravürüydü.

10 sene önce kurulan ‘Fabrika’ projenizi anlatır mısınız?  İlham kaynağını, kurulum kavramını, misyonunu nasıl tanımlarsınız?

'Fabrika’nın bir kurum, cemiyet yada bağış toplayan bir vakıf statüsü yok.  Burası bir sergi alanı ve günlük yaşam alanı olarak tasarlanmış ikamet adresimiz.  Amaçlarımız ise birden fazla; koleksiyona belli bir dinamizm kazandırmak için onunla aynı alanda yaşamak, insanların güncel yaratıcılık kavramına duyarlılığını arttırmak  için burayı  randevu prensibiyle kısmen halkın ziyaretine açık bir alana çevirdik. Ama aynı zamanda da iç benliğe gönderme yapan bir boyut ve sanatsal ortam aktörlerine bir eleştiri niteliği taşıyor.  Sözün kısası, ‘Fabrika’ bizim paylaşım ve aktarım arzumuzu beslemek için tahsis edildi.

Birlikte projeler yaptığınız sanatçıları nasıl seçiyorsunuz? Üretilen işler her zaman mekana özel mi kurgulanıyor?

Şimdiye kadar burada proje yapmış olan sanatçılar daha evvel yapmış oldukları projeleri ile değerlendirildi; bizim koleksiyona ait olabilecek  nitelikte olanlar tercih edildi.  Biz hiç sipariş ile çalışmadık ama gerçekleştirilen eserlerin mekana uygun olabilmesi için hep sanatçılar ile aramızda karşılıklı bir diyalog ve düşünme süreci söz konusu oldu.

Ne tip bir özgünlük ve estetik arayışı içerisindesiniz? 

Koleksiyonun özgünlüğü eser üretim aşamasından evvel sanatçı ile aramızda  kurduğumuz diyalogda yatıyor.  Bu diyalog neredeyse eserin koleksiyonumuza dahil edilmesi için bir ön koşul niteliği taşıyor.  Koleksiyonu felsefi anlamda estetik kriterler çerçevesinde tutabileceğimizden emin değilim, çünkü bizim önem verdiğimiz estetik daha ziyade düşüncede kaynak buluyor.

Kendinizi küratör olarak mı, mesen olarak mı konumlandırıyorsunuz? 

Sanatçı projelerine dahil olduğumuzu, sanatçılardan aldığımız eserleri ikinci el piyasasında satmadığımızı  ve karşılığında bir şey beklemeksizin izleyicileri ağırlamak için zaman ve efor harcadığımızı göz önünde bulunduracak olursak, mesen olduğumuzu düşünebiliriz.  Ama aynı zamanda da, tanıtımını üstlendiğimiz eserlerin seçimini ve sergi alanına yerleştirilmesini kendimiz yaptığımız için, küratör olduğumuzu da söyleyebiliriz.  Kaldı ki üstlendiğimiz misyon sadece bundan ibaret değil; çünkü bir taraftan da sanat eleştirmeni, konservatör, rejisör, aydınlatma teknisyeni, sekreter, veznedar, bakım sorumlusu, restoratör, kültürel elçi, animatör ve zaman zaman da nakliyeci rollerine büründüğümüz oluyor. Eşimle birlikte bu mekanı yaşatmak için gereken bütün iddiasız görevleri üstlenmek durumunda kaldığımızı söyleyebiliriz.

Birçok başka sorumluluğa ek olarak Artissima komitesindesiniz, Louvre ve ARCO’da konferanslara konuşmacı olarak katılıyorsunuz; sanat platformundaki ulusal ve uluslararası konumunuzu nasıl tasvir edersiniz? ICOM ile alakanız nedir?

Sekiz senedir Turin’de ki Artissima seçim komitesindeyiz ve beş senedir de Barselona’da ki LOOP komitesinde yer alıyoruz. Paris’te Louvre okulunda, Madrid’de ARCO için, Marsilya’da Güzel Sanatlar Fakültesi’nde, Aix-en-Provence’da Güzel Sanatlar Üniversitesi’nde, Paris’te Modern Sanatlar Müzesi’nde, CIMAM’da ICOM departmanında konferanslar organize etmeye davet edildik. Josée Gensollen CNAP, Artorama, Fiac, Paréidolie gibi organizasyonların seçim komitesinde yer alıyor.  Marc Gensollen ise Marsilya Güzel Sanatlar Akademisi’nde kürsüye sahip, eş zamanlı olarak da CIRVA’nın yönetiminde.  Bizim konumumuz şüphesiz benzersiz. Ama sanat  bizim açımızdan hudutları yok ediyor ve biz ideolojik platformda kendimizi tam  avrupalı gibi hissediyoruz.  Buna rağmen dil bizim için bir engel teşkil ediyor, farklı diller konuşan kişiler değiliz.  Yaklaşık 10 yıIdır ICOM bizi CIMAM bölümünde kurucu sponsor olarak ağırlıyor.

Koleksiyonun spekülatif  niteliğinden ziyade  kültür aktarımı tarafına önem verdiğinizi söylüyorsunuz…  Böyle bir özel görev nasıl yerine getirilmeli?

Finansal spekülasyon bize yabancı bir kavram; bizi ilgilendiren ara sıra da olsa, sanat camiasından önemli kişilerden, gelecekteki sanatsal değerlerin ikinci el piyasasına verim katacağını duymak olurdu. Piyasada ileri sürülen değerler hak etmedikleri yüksek seviyelere ulaşırken, süratle tekrar en aşağı seviyeye düşebileceklerini biliyoruz.  Bu bazıları için eğlencelide olsa, bizim bakış açımızdan oldukça üzüntü verici.  Biz üstlenmiş olduğumuz role anlam kazandırmak için kendi takip ettiğimiz entelektüel yolu ve sanatçıların fikirlerini sanat ve tarihsel bağlamda en sadakatlı bir biçimde tekrar şekillendirerek, tercüme etmeye ve takipçilerimize aktarmaya çalışıyoruz.

Bir sanat eserinin üretim aşamasında mekan ve malzemenin önemi nedir?

Eser tasarım aşamasında mekan ve malzemenin önemi farlılık arz eder; çünkü eser bazen tüm alanı kapsayabildiği gibi, bazen de tek bir parçası dahi üretim alanına sığmayabilir.  Bu eserler arasında her bir sunumda yeniden üretilmesi gerekenler ve hatta binanın yapım aşamasında betonla bütünleşenler olabilir.

Sanatın kavramsal bağlamda maddesellikten arınması fikri sizin için ne ifade ediyor? 

Bu kavramı açıklamamızı istemekte haklısınız, aslında maddesellikten arınmış sanattan ziyade görünmez sanattan bahsetmek daha doğru olur.

Sanat eserinin zamansallığı ve konservasyonu hakkında ne düşünüyorsunuz? 

Eser konservasyonu değişik açılardan ele alınabilir; geleneksel tekniklere bağlı kalarak kullanılan malzemelere özel konservasyon yöntemleri gerektirenler ile konservasyon gerektirmeyen kısa ömürlü eserler. Mesela kavramsal eserlerin her sergi için yeniden üretilmeleri gerekebiliyor. Bazıları sadece boş heves çünkü yapıldıktan sonra toza, tortuya dönüşüyor.

Sanatçı projeleri ile etkileşim, katılım, işbirliği nasıl olmalı?

Bizim koleksiyonumuzda etkileşimli projelerde var; bazen izleyiciler de eser üretim aşamasına katılmaya teşvik ediliyorlar, tabii bu durumda ‘tabloyu’ gerçekleştiren izleyici oluyor.

‘Fabrika’da eser üretimi aşamasına dair bizimle paylaşmak istediğiniz hatıralarınız var mı?

Marsilya 2013 senesinde Avrupa Kültür Başkenti olunca, izin almadan Jean-Luc  Moulène’in devasal bir enstalasyonunu ‘Fabrika’nın üzerinde çatıda sergileme kararı aldık. Amacımız yoldan geçen halka çağdaş bir sanat eseri sunmaktı, enstalasyonu bu mekana yerleştirmek oldukça zor oldu.  Yapım aşamasını Google – You Tube üzerinden ‘Bir Kürenin Realizasyonu” (« Réalisation d’une sphère ») linkinden izleyebilirsiniz.

Şu anda ‘Fabrika’da gösterimde olan eserler hangileri?

Şu anda ‘Fabrika’da yüzden fazla eser görmek mümkün; bu da koleksiyonumuzun yaklaşık beşte biri; L. Weiner, Dan Graham, Joseph Kosuth, Gerhard Richter, On Kawara, Sol LeWitt, Carl André , G. Matta Clark, D. Buren, M. Mullican, Maurizio Cattelan, G. Motti, B. Lavier, L. Gillick, P. Parreno, H. Zobernig , P Huyghes, D. Gordon, M. Riedel, P. Bismuth,  S. Afif …….

Koleksiyonunuzdaki eserlerden Fransa’da, yurt dışındaki müzelerde veya alternatif sanat mekanlarında sergilenmeye davet edilenler oldu mu?   

Bizde bulunan eserleri paylaşmak bizim için tinsel bir görevdir. Guggenheim, Tate Modern gibi müzelerde, Pompidou Sanat Merkezi'nde ve hatta  bazen uzun dönemli olarak Amerika, Japonya ve çoğu Avrupa ülkesinde belli kurumlarda koleksiyonumuzdan birçok eser sergilendi.

İstanbul’da Collector’s Space’teki serginiz nasıl geçti?  Orada hangi eserleri sergilediniz?

Haro Cümbüşyan bizi koleksiyonumuzdan Julien Bismuth‘un  bir eserini sergilemek üzere davet etti.  Bu eser bir pandomim sanatçısı tarafından yapılan kaliteli bir performanstı. 

Sergi alanınızda  sergiler nasıl kurgulanıyor, koleksiyonunuzdaki eserlerden sürekli veya süreli bir seçki mi yapılıyor, yoksa sadece yeni üretilen mekana özgü eserler mi sergileniyor? 

Koleksiyondaki bazı eserler sürekli olarak gösterimde kalıyor.  Mekana özgü yapılan eserler bulundukları alana da bir değer katıyorlar.  Diğer eserler ise süreli olarak sergileniyor ve tematik sergilerde zaman zaman gündeme gelebiliyor.

'Fabrika’nın 10’uncu yılı için organize ettiğiniz özel projeden bahsedebilir misiniz? 

Prensip olarak bir proje sonuçlanmadan onunla ilgili konuşmayı tercih etmiyoruz ama en kısa zamanda proje duyurulacak.

Fabrika’nın ziyaret saatleri oldukça alışılmışın dışında; izleyiciler bu işleyişten memnun mu? 

Sıradışı ziyaret saatleri bizim psikiyatri hastalarımıza ayırdığımız uzun saatler yüzünden ortaya çıkıyor. Ziyaretçiler açısından sıkıntı yaratmıyor, aksine izleyiciler büyük bir motivasyon ile bizi takip ediyorlar. Hatta bizim gibi uzun iş saatleri olan izleyiciler saat 22:00 itibarı ile ziyarete gelebildikleri için çok mutlu oluyorlar. 

Eğer maaliyet ve lojistik bir engel teşkil etmeseydi, hangi eserleri koleksiyonunuza eklemek isterdiniz?

Hayallerimizde birçok eser var ama Bruce Nauman’ın veya Felix Gonzales Torres’in bir enstalasyonu veya Marcel Duchamp’ın bir eseri diyebiliriz.

Size ilham veren veya koleksiyona başlama aşamasında sizi etkileyen koleksiyonlar oldu mu?

Panza di Biumo, Herman Daled, Anton Herbert  veya Crex Koleksiyonları.

En son gördüğünüz hangi sergi sizin için unutulmayacak bir sergiydi?

Guggenheim Müzesi’nde Tino Sehgal sergisi, Pompidou’da Marcel Duchamp, Gabriel Orozco, Pierre Huyghe sergileri ve Tate Modern’de Bruce Nauman sergisi bizim için unutulmaz sergilerdi.

'Fabrika’da kurguladığınız sergilerden hangisi sizi en çok etkiledi?

Gelecek olan sergi.

‘Fabrika’ için geleceğe dair planlarınız nelerdir? 

Bu şu anda konuştuğumuz bir şey değil ama eğer bu şekilde muhafaza edilebilirse var olmaya devam etmesi, edilemez ise de sonlandırılması.

Hangi dünya şehri sizce sanatın geleceği için ümit vaat ediyor? Ve Neden?

Bazı insanlar bundan yakınsalar da biz Paris’in her zaman bir metropol olarak kalacağını düşünüyoruz; ziyaret etmeyi çok sevdiğimiz New York veya şimdiden geleceğin Avrupa baş şehri olmak üzere tüm niteliklerle donanmakta olan Berlin gibi şehirlerden daha az hegemonyaya sahip olsa da. Londra şüphesiz çok dinamik ama günümüzde Brüksel’de olup bitenler çok cezbedici; Mexico, San Paulo, Los Angeles ise bu konuda büyük potansiyellere sahip şehirler.

Ziyaretçiler üzerinde nasıl bir etki bırakmak istiyorsunuz?  Peki ya sanat dünyası üzerinde?

Bizim amacımız ders vermek değil, ama ziyaretçileri ağırlarken sanatçının eseri ile ifade etmek istediği fikre saygımıza sadık kalıyoruz.  Mutluyuz ki, birçok insan gibi, sanatı bir ifade biçimi olarak en yüksek mertebeye koyuyoruz ve insanlar arasında bir tolerans ve etkileşim alanı teşkil edeceğine inanıyoruz.  Ama hedefin bizi yükseltebilecek bir etik anlayış ile belirlenmesi önemlidir.

Marsilya’daki sanat sahnesini nasıl tanımlarsınız?

Marsilya gitgide daha iyiye gidiyor; uzun süredir Fransa’nın ikinci önde gelen şehri olduğunu iddia etsede Marsilya Çağdaş Sanat Müzesi (MAC) bunun sağladığı imkanlardan faydalanamıyor. Üç derneğin birlikteliğinden oluşan ‘La Friche’ isimli kültür merkezi güçlü bir konuma sahip  ve bu sayede güzel projeler çıkabiliyor.

Burada birçok galeri mevcut ancak kuvvetli olmayan koleksiyoner profiline sahipler; buna rağmen bir kaç yeni koleksiyoner ve bazı amatörler girişimleri sayesinde onların projelerine görünürlük kazandırıyorlar.   Sonuç olarak, Marsilya sanat sahnesi eşi benzeri olmayan potansiyeline rağmen, daha henüz yeteri kadar gelişemedi.

Psikiyatrist bir çift olarak, mesleğiniz ve sanat arasında bir ilişki kuruyormusunuz?  Sanatın tedavi edici gücü olduğuna inanıyormusunuz?  Hastalarınızı tedavi sırasında sanata başvuruyormusunuz?

Mesleki faaliyetimizi tutkumuzdan ayrı tutuyoruz. Özellikle kendimiz ile alakalı, sanatın tedavi edici gücü olduğuna inanıyoruz; ancak hastalarımıza karşı bambaşka bir tıbbi yaklaşıma sahibiz.  Eğitimimiz bize, dünyaya ve çevremize eleştirel bir bakış açısıyla yaklaşma ve mesafeli olma yetisini kazandırdı; bu aynı zamanda da tam olarak bizim saygı duyduğumuz sanat anlayışının bize sağladığı bir durum.

Sanatın ışığı altında tutkunuzu nasıl tanımlarsınız?

Bizi harekete geçiren sanat bizi sürekli bir sorgulamayla karşı karsıya getirendir; bununla beraber keşif, heyecan, tatminsizlik, konforsuzluk, mutluluk, sorgulama ve özellikle düşünce yaratır.

Une ‘Fabrique’ d’Art à Marseille

Josée et Marc Gensollen est un couple de collectionneur résidant à Marseille.  Ils sont tous les deux psychiatres.  En organisant leur résidence principale comme un lieu d’exposition et un espace à vivre au quotidien, ils ont emmené leur ambition envers la collection à un tout autre niveau.  Dans cet endroit, qu’ils ont nommé ‘La Fabrique’, ils assistent les artistes, qu’ils sélectionnent eux-mêmes, dans la création des oeuvres d’art.  Les visiteurs peuvent consulter l’exposition sur rendez-vous; après de longues heures de travail et au retour à leur domicile, le couple accueille les invités et leur offre un tour. Nous avons réalisé un ‘interview’ avec Les Gensollen qui depuis une dizaine d’année sont engagés  dans la section CIMAM de L’ICOM.

Pourriez vous nous parler de votre passion de collectionneurs?  Comment avez-vous commencé?  Où en êtes-vous aujourd’hui?

Nous nous sommes rencontrés au tout début de nos études en 1969. Nous sommes tous deux médecins psychiatres, avons deux enfants qui sont pour l’aîné médecin psychiatre et pour le cadet producteur de cinéma à New-York. Nous avons commencé à collectionner à la fin des années 70.

Pourriez vous nous parler de votre passion de collection?  Comment avez-vous commencé?  Où en êtes-vous aujourd’hui?

Notre passion de collectionneurs s’est construite et enrichie de nos réflexions depuis les années 1970, nous avons commencé comme de jeunes enfants qui font l’apprentissage d’un langage, puis graduellement les mots signifiants que sont pour nous chaque œuvre d’art se sont articulées ensemble pour constituer des phrases.

Ces phrases organisées selon notre syntaxe constituent un discours développant des idées sur l’art lui-même, la société, la communication, la transmission, l'histoire, l’humanisme. Aujourd’hui face à notre société matérialiste plus préoccupée de valeurs spéculatives que de richesses réflexives, après les médiums classiques, puis l’art en mouvement comme la vidéo, nous nous sommes orientés depuis une dizaine d’années vers la performance, l’art in situ et vers des projets artistiques   dématérialisés, comme pour développer une forme de résistance même dérisoire à l’air du temps. 

La première oeuvre d'art que vous avez acheté ensemble?

Une gravure surréaliste de Hans Bellmer lorsque nous étions étudiants.

Pourriez-vous nous décrire votre projet de ‘La Fabrique’ qui a été créé il y a dix ans?  L’inspiration, le concept de fondation, le but principal?

« La Fabrique » n’a pas le statut de fondation, ni d'association, ni de fond de dotation. C’est simplement notre résidence principale organisée comme un lieu d’exposition et comme un espace à vivre au quotidien. L’objectif est pluriel, vivre avec la collection pour lui donner une dynamique spécifique, en faire un lieu semi public pour y accueillir des visiteurs néophytes sur rendez-vous afin de les sensibiliser à la création actuelle. Mais également   accéder à une dimension réflexive et critique  pour un public plus averti comme celui du milieu artistique lui-même ou encore satisfaire de manière plus didactique à la demande estudiantine. En définitive la Fabrique est destinée à nourrir notre volonté de transmettre.

Les artistes avec lesquels vous avez fait des projets dans cette espace?  Comment les choisissez-vous? Les oeuvres, sont elles toujours ‘site-specific’?

Les artistes qui sont intervenus sur place ont été pressentis car leur travail pouvait s’inscrire dans la collection en fonction des critères que nous avons exprimés plus haut. Nous n’avons pas effectué à proprement parler des commandes mais les projets qui ont été réalisés l’ont toujours été au terme d’un dialogue et d’une réflexion avec l’artiste afin que l’œuvre soit la plus pertinente possible. 

Quel genre d’autenticité et d’esthétique poursuivez-vous?

La collection trouve son authenticité dans la concertation qui s'établit entre nous comme préalable à toute acquisition. Il n’est pas sûr que nous puissions appréhender la collection selon les critères esthétiques au sens de la discipline philosophique développée à propos de l'art, car même s’il s’agit le plus souvent d’art visuel, l’esthétique respectée et ce qui s'en dégage est plus une esthétique de la pensée.

Vous considerez-vous comme des curateurs ou des mécènes?

Mécènes, oui si l'on considère que nous nous impliquons pour les artistes en acquérant des œuvres que nous ne revendons pas sur le second marché ; oui si l'on considère que nous consacrons du temps et de l'énergie sans contrepartie pour accueillir les personnes qui viennent vers nous. Curateurs aussi puisque la mise en espace et la sélection des œuvres que nous présentons est le résultat de notre choix propre. Mais pas seulement, car nous sommes aussi critiques, conservateurs, régisseurs, éclairagistes, secrétaires, trésoriers, agents de maintenances, restaurateurs, médiateurs culturels, animateurs, performeurs, et occasionnellement transporteurs. Toutes les tâches humbles sont indispensables pour pourvoir faire vivre cet espace en étant que deux.

Parmi d’autres occupations, vous participez au Comité d’Artissima et de Loop, à des conferences au Louvre et ARCO, comment décrireriez-vous votre positionnement actuel sur la scène d’art au niveau national et international? Et votre engagement avec ICOM?

Nous proposons des visites guidées, des conférences, rédigeons des articles dans des publications et participons à l’élaboration d’expositions. Nous investissons également dans des actions  de mécénat. Nous siégeons dans des commissions d’achat institutionnelles et privées et participons depuis de nombreuses années aux sélections, de galeries pour des foires d’art contemporain . Nous nous sommes engagés pendant 8 ans auprès du comité de sélection d’Artissima à Turin et participons à la vie du comité de LOOP à Barcelone depuis 5 ans. Nous avons été sollicités pour faire des conférences à l'école du Louvre à Paris, ARCO à Madrid, l’école des beaux-arts de Marseille, à l’Université d’arts plastiques à Aix en Provence, lors de colloques au Musée d’Art Moderne de La Ville de Paris, nous sommes investis également auprès du CIMAM département de l’ICOM; L’ICOM dans sa section CIMAM nous accueille depuis une dizaine d’année en qualité de « founding patrons ». Josée est dans plusieurs comités de sélection CNAP, Artorama, Fiac (Off)icielle, Paréidolie, Marc occupe un fauteuil dans la classe des arts à l’Académie de Marseille, il lui arrive aussi par ailleurs de présider le CIRVA. Notre positionnement est sans doute un peu atypique mais  l'art en ce qui nous concerne gomme les frontières et nous nous sentons idéologiquement profondément européens. Toutefois notre barrière reste linguistique car nous ne sommes pas du tout polyglottes. 

Vous dites que le caractère spéculatif de la collection vous ennuie et que vous voulez plutôt être des passeurs culturels…  Comment réaliser une telle mission?

La spéculation financière nous est étrangère, ce qui nous préoccupe est d'entendre dire parfois par les personnes importantes dans le milieu de l'art, que les futures valeurs artistiques seront celles qui permettent au second marché de fructifier ; nous avons la preuve que ces prétendues valeurs peuvent chuter aussi vite qu'elles avaient été portées au pinacle, c'est à la fois amusant et excitant pour certains mais désolant de notre point de vue. Pour donner du sens à notre rôle  de passeurs nous essayons de traduire le plus fidèlement possible notre cheminement intellectuel et l'idée de l'artiste en les réinscrivant dans le contexte de l'histoire de l'art. 

L’importance de l’espace et du matériel pour le processus de creation d’une oeuvre d’art?

L'importance de l'espace et du matériel nécessaire au processus de création est extrêmement  variable car cela peut aller d'une installation qui occupe toute une salle voire une pièce qui ne pourrait pas entrer à l’intérieur  de la fabrique, jusqu'à celles qui sont à produire à chaque présentation ou encore celles qui sont immergés totalement dans le béton faisant partie intégrante de la construction du bâtiment lui-même.

Que signifie la dématérialisation d’e l’art pour vous?

Vous avez raison de nous demander de clarifier cette notion en fait on devrait le plus souvent parler d'art inapparent plutôt que d'art dématérialisé.

La temporalité et conservation des oeuvres d’art?

Les problèmes liés à la conservation sont de plusieurs ordres : ceux qui relèvent de techniques traditionnelles mettant en œuvre des procédés spécifiques aux matériaux utilisés, mais aussi ceux qui sont liés à l'image en mouvement, film ou vidéo qu'il faut pouvoir numériser et stocker sur des supports appropriés,  d’autres parts certaines œuvres remettent en cause la conservation car leur durée est délibérément éphémère, enfin nous détenons des œuvres conceptuelles qui sont à produire à chaque exposition et qui ne nécessitent aucune mesure de conservation.  In fine, il ne s'agit que de vanités car elles sont toutes appelées à n'être transformées qu'en résidus pulvérulents.

L’interaction, de participation et de collaboration aux projets des artistes?

Les œuvres interactives font partie bien sûr des travaux artistiques que l'on trouve dans la collection, le public est de temps en temps convié à participer à l'activation de l’œuvre ;  bien entendu à ce moment-là c’est « le regardeur qui fait le tableau ». 

Avez-vous une collection permanente ou temporaraire en vue dans votre espace?  Quelle type de collection?

Certaines œuvres de la collection sont permanentes. Lorsqu’elles sont conçues pour être réalisées in situ, elles qualifient généralement l'espace. Les autres sont présentés de manières temporaires et restent en réserve si elles n’illustrent plus le propos que nous souhaitions exprimer, lors d'une présentation thématique par exemple.

Auriez-vous quelques souvenirs a nous raconter dans le proces de creation d'une ouvre d'art dans la 'Fabrique' ?

Nous avons décidé de présenter en 2013 année de Marseille Capitale Européenne de la Culture une installation monumentale de Jean-Luc Moulène sur le toit de « La Fabrique », sans demander d’autorisation mais pour offrir au public une œuvre d’art contemporain visible par les passants depuis la rue. La mise en place de cette installation a été complexe. Il est possible de voir sa construction sur Google à  « Réalisation d’une sphère - You Tube».

Les oeuvres que vous avez en vue dans la Fabrique en ce moment

Une centaine d’œuvres est actuellement visible à La Fabrique soit un cinquième de la collection: L Weiner, Dan Graham, J. Kosuth, G. Richter, On Kawara, Sol LeWitt, Carl André, G. Matta Clark, D. Buren, M. Mullican, M. Cattelan, G Motti, B. Lavier,  l Gillick, P. Parreno, H. Zobernig , P. Huyghes, D. Gordon, M. Riedel, P. Bismuth,  S. Afif …….

Est-ce que des oeuvres de votre collection ont été exposées dans des musées ou espaces consacrés a l'art en France ou à l'étranger? 

Le prêt des œuvres que nous détenons est à nos yeux un devoir moral. Nous avons ainsi prêté à des musées des centres d’art et parfois à long terme dans certaines institutions de nombreuses pièces, des USA au Japon et dans la plupart des pays européens, des musées tels que le Guggenheim, la Tate Moderne ou le Centre Pompidou.

Comment s’est passé votre exposition à Collector Space à Istanbul, quels oeuvres avez-vous exposé là?

Grâce à la grande générosité de Haro Cümbüşyan nous avons été invités à 'Collector Space' pour présenter une œuvre de l’artiste Julien Bismuth. Cette pièce est une performance activée par un mime professionnel qu’il a fait venir spécialement de New-York ainsi que l’artiste. Tout cela était d’une grande qualité.

Vouz avez organisé un projet spécial pour la dixième année de La Fabrique, quel est ce projet?

Tant que nous ne sommes pas près de pouvoir finaliser un projet nous n'en parlons pas mais vous le saurez avec l'arrivée des beaux jours.

Les horaires de visites inhabituels, conviennent-ils aux visiteurs?

Les horaires  inhabituels ne sont pas destinés à créer de l'inconfort pour les visiteurs encore que cela mette à l'épreuve leurs motivations à venir nous rencontrer, mais ils sont la conséquence des  longues heures que nous consacrons à nos patients qui sont priorisés. Nombreuses sont les personnes qui travaillent longuement aussi et qui sont satisfaites de pouvoir venir à partir à 22h00 les jours ouvrables.

Quel oeuvre voudriez-vous acquérir si le coût et la logistique n’étaient pas un obstacle?

Il y en a plusieurs mais une belle installation de Bruce Nauman ou de Felix Gonzales Torres ou une pièce significative de Marcel Duchamp.

Les collections qui vous inspirent ou qui vous ont inspirés initialement?

Les collections de Panza di Biumo, Herman Daled, Anton Herbert ou encore la collection Crex. 

Quelle exposition que vous avez vue récemment est restée cloué dans votre mémoire et pourquoi?

Tino Sehgal au Guggenheim, Marcel Duchamp, Gabriel Orozco, Pierre Huyghes au Centre Pompidou et Bruce Nauman à la Tate Modern

Quelle exposition que vous avez faite dans ‘la Fabrique’ vous a le plus touchée?

Celle à venir.

Quels sont vos plans pour l’avenir de la Fabrique?

Ce n'est pas d'actualité mais la conservation si son caractère vivant peut être pérennisé, ou la dispersion.

Quelle ville vous donne’t-elle le plus d’espoir pour l’avenir de l’art contemporain?  Pourquoi?

Bien que certains se plaignent, nous considérons que Paris reste une métropole incontournable beaucoup moins hégémonique que d'autres villes comme New York où nous avons toujours beaucoup de plaisir à nous rendre ou Berlin qui est en train de se doter des attributs de la future capital de l'Europe. Londres bien sûr est très dynamique mais ce qui se passe actuellement à Bruxelles semble tout à fait attractif ;  Mexico, San Paulo, Los Angeles ont aussi un potentiel considérable.

Quel sorte d’influence voulez-vous avoir sur les visiteurs? Le monde de l’art?

Nous n’avons de leçons à donner à personne mais lorsque nous accueillons nos visiteurs nous sommes attachés à respecter l'idée que l'artiste veut défendre avec son travail. Nous plaçons, heureusement  comme beaucoup d'autres, l'Art à un très haut niveau d’expression humaine et restons convaincus qu'il reste un lieu de tolérance et d'interactions entre les homes et dont la portée doit être guidée par une éthique qui ne peut que nous élever.

Comment décririez-vous la scène de l’art à Marseille?

Marseille va mieux et bien que le MAC ne bénéficie plus depuis de longues années des moyens  auxquels la deuxième ville de France pourrait prétendre, la Friche avec les trois associations qui y sont regroupées est un lieu fort où il est possible de voir de belles propositions. Les galeries sont nombreuses mais sont limitées dans leurs ambitions par un nombre de collectionneurs trop faible, bien que certains nouveaux collectionneurs et amateurs engagés s'investissent et donnent une certaine visibilité à leurs initiatives. Au total la scène artistique à Marseille est encore trop timide alors que son potentiel est incontestable.

Vous êtes tous les deux psychiatres; créez vous un rapport/ lien avec votre métier et l’art?  Croyez-vous en le pouvoir thérapeutique de l’art?  Y recourez  vous  quand vous consultez les patients?

Notre activité professionnelle est complètement indépendante de notre passion. Nous croyons au pouvoir thérapeutique de l'art surtout en ce qui nous concerne, mais nous avons à l’égard de nos patients une posture médicale toute autre. Ce que notre formation nous a apporté est la capacité à nous distancier et à porter un regard critique sur le monde et notre environnement, c’est précisément ce que l'art que nous apprécions permet également.

Comment décrirez-vous la passion sous la lumière de l’art?

L'art qui nous stimule est celui qui nous confronte à une remise en question permanente, créant toute à la fois découverte, excitation, frustration, inconfort, joie, jubilation, interrogation mais surtout réflexion.